#298 La vi hace mucho y recuerdo que me gustó bastante, pero al leer tu review me han dado ganas de verla de nuevo. Dustin Hoffman tiene un montón de películas buenas (Tootsie, Marathon Man, Kramer contra Kramer, Rain man...) que son lo mejor para ver un día que no sabes qué carajo ponerte.
Y yo sigo, que llevaba un mes sin ver nada del reto. Después de Luces de ciudad de Chaplin tocaba La carreta fantasma.
10/52 - 1920s
The Phantom Carriage - ★★★★
La película tiene 100 años justos y entre la temática (un tipo muere a final de año y le toca expiar sus pecados recogiendo las almas de los muertos durante el año siguiente cargándolos en su carreta fantasma) y ver que hasta los niños que aparecen en ella están ya todos muertos me daba cierta angustia verla.
Sin embargo al final me ha gustado porque es una historia de redención, está bien actuada, los personajes tienen más personalidad que en muchas películas modernas, los efectos especiales son una pasada y no me quiero ni imaginar la destreza para hacer esto con los medios de la época. Además no es en blanco y negro, usa tintes (rojo, amarillo, azul) dependiendo de lo que se está viviendo (aunque no tengo clara la diferenciación de cada cosa, quitando que el azul es el color de la muerte claramente).
La música es muy buena y acompaña la actitud de los personajes de forma magistral, moviéndose de unas melodías serenas a otras estridentes donde los violines hacen hasta ruido. La edición que a día de hoy es algo estándar debió ser algo impresionante en la época. Por ejemplo la escena del hacha, además de ser la clara inspiradora de la de El Resplandor (por no decir un calco con más adornos y medios) es un ejemplo genial de montaje de escenas en paralelo:
Yo creo que es un clásico que debería ver todo el mundo aunque se puede hacer pesada a ojos del espectador moderno. Dividírsela en un par de sesiones (la peli dura casi dos horas) la hace más amena. Además está en youtube porque no hay derechos de autor que valgan ya. Están todos en el hoyo y no hay una mafia que haya heredado su trabajo
13/52
Categoría 13: 1950s
Película: Nights of Cabiria
'The Maestro' haciendo honor a su apodo, y al igual que bajo el eslogan que aborda su obra "Amarcord" aquí, volvemos a encontrarnos en el ¡The fantastic world of Federico Fellini!
Poco le importaba a este hombre que por aquellos años entonces todos los grandes directores del cine dirigían sus obras a unos estándares de romantización de la alta sociedad, de hecho, años más tarde ya lo haría él con su eterna "Dolce Vita" pero antes tenía otros asuntos que hacer como coger su equipo y junto a su mujer Giulietta Masina dar vida al personaje de Cabiria e ir a los barrios pobres de Roma para grabar una historia.
Mirad, en todo este ecosistema donde nos introduce a la historia de un prostituta que vive tres historias distintas con tres hombres distintos, no hay lugar para el amor verdadero, algo que ella busca desesperadamente. Cabiria, es el retrato de Fellini a la inocencia humana, a la ilusión que perseguimos, al anhelo con el que intentamos volver a cruzarnos desesperadamente... y al igual que detrás de toda la ilusión, se encuentra la realidad.
Realidad que golpea constantemente, que parece casi realizada con la finalidad de querer hundirnos en nuestros llantos, en este caso en los de Cabiria, por eso Fellini también dibuja esa maldad y crueldad con la que se convive en esta vida.
No hay escapatoria para cuando nos abordan ciertos sentimientos, ni tan siquiera el catolicismo más puritano que envolvía a Italia por aquellos años era capaz de arreglar esto en una persona, solamente nos queda afrontar las cosas y al igual que Cabiria, si puede ser, enfrentarnos a ellas sin perder la sonrisa en la boca. Las noches de Cabiria es una autentica obra maestra, no tengo nada más que decir.
Categoría: 1950s.
Película: Journey to the Beginning of Time (1955).
Vistas: 13/52
Hoy necesitaba una peli ligerita y entretenida después de esta semana. En la lista la elegida en su momento para los años 50 fue la checa Viaje a la Prehistoria, perfecta para hoy. Aventuras, dinosaurios y efectos especiales con más de medio siglo de antigüedad.
14/52
Categoría 14: 1960s
Película: Andrei Rublev
Me decidí por aventurarme con la que se convierte en mi sexta película de Tarkovsky, entre otras cosas tenía mucha curiosidad por ella debido a que era conocedor de la gran censura que tuvo en la Union Sovietica. Dado que el propio Tarkovsky tiene películas que me han llegado a conmover como "Nostalghia" o "Mirror" y que por lo general me gusta su cine no había mejor escenario.
Sim embargo, en esta ocasión siento que me he golpeado contra una gran pared. Puede que debido a que sea una una película con un contexto histórico que prácticamente desconozco, quizas debido a un simbolismo que no pillo o simplemente que ciertos pasajes de diálogos se escapan a mi interpretación. Lo que no se puede discutir es la cinematografía, es un absoluto 10 en la que destacan sus movimientos estáticos y los timings para hacer zoom, de esos que hacen recolocarte en el sillón.
Andrei Rublev es una película ambientada en la Rusia medieval que viene a mostrar dos principales visiones entre la por aquella entonces tan diferente Moscu y la inhóspita estepa rusa, concretamente a los inicios del año 1400. Sobrevuela principalmente un tema principal con el que Tarkovsky plantea e idealiza debates, -la religión- la cual acoge al cristianismo ortodoxo y el paganismo. Dividida en una especie de 8 episodios, cada cual más desolador que el anterior y envuelto en un ambiente deshumanizado y de penuria narra la historia de Andrei, un pintor del que nos muestran diferentes etapas que vivió a lo largo de su vida.
Realmente hay momentos en los que he sentido que me llegaba la imagen y el sufrimiento que plasma en pantalla pero a nivel global por momentos me he sentido fuera, la historia se extiende a más de 3h de metraje y se puede hacer cuesta arriba. Impacta, como su cine en general, pero como empezaba diciendo creo que esta historia no era para mi lo que no quita que la haya reconocido como grandísima película dandole esa puntuación. Lo que no he dejado pasar ha sido la oportunidad para tirarle unos pantallazos.
Hay una cita durante uno de los 8 episodios que se me ha quedado grabada, decía; We must remind people more often that they are people
15/52
Categoría 15: 1970s
Película: Walkabout
Para esta categoría y la siguiente me he propuesto dedicarlas a un mismo director y del que no tuviese nada visto de su filmografía asique he topado con el señor Nicolas Roeg. Como película puede que haya pasado un poco sin pena ni gloria por mi pero tiene un valor de ambientación y contexto bastante enriquecido para ser una película encasillada en el género de aventura y que la convierte en algo más interesante.
La película transcurre prácticamente en su totalidad por las diferentes sabanas y desiertos del continente australiano. Su apertura, prevía a la introducción de la trama, es para acercarnos al concepto "Walkabout" que tal y como nos cuentan es una especie de rito de iniciación que practican los aborígenes australianos (primeros nativos). Consiste en una vez llegan a la edad de los 16 años soltarles a su suerte y solos por los páramos del continente durante un periodo de medio año para que tengan contacto con otras tribus y pasen una serie de lo que ellos denominan procesos espirituales.
La introducción a la trama es tan repentina como desconcertante. Nos presentan a un padre junto a su hija e hijo que estan de viaje y en lo que iba a ser en un principio una rápida parada para comer, el padre se lía a tiros hacia el hijo (que es salvado por su hermana) y termina derivando en un suicido del padre quemándose a lo bonzo con la gasolina del coche.
Para el desarrollo de la película hermano y hermana quedan en una situación delicada, perdidos en medio del desierto al que han escapado por los disparos del padre, la escena se vuelve una agobiante travesía bajo el sol y largas dunas que dura un par de días hasta que dan un encontronazo con uno de estos "nativos" quien les ayuda en el proceso de supervivencia y en alcanzar de nuevo una carretera que les pudiese servir de camino para regresar a la civilización.
En definitiva, contento. La película tiene algunos mensajes interesantes que el director sabe plasmar bien haciendo contrastes por un lado entre la persona allegada desde la civilización y por el otro la persona que les acoge allegada desde la tribu. No es una película que te va a cambiar la vida pero tiene su oportunidad.
16/52
Categoría 50: Watch a film with spine #1000 or higher
Película: Cold War
Pues resulta que he ido a chekear mi lista para darle un ojo a la siguiente que tengo en cola para esta semana y me he encontrado con que en la categoría número 50 tenía introducida esta maravilla de Paweł Pawlikowski que casualmente, sin intención alguna en relación a esto, la he visto este domingo.
Era un película que tenía pendiente desde hace tiempo y de esas que te arrepientes de no haber visto mucho antes una vez la terminas. Es más, en cuanto a las 16 que llevo vistas hasta ahora de mi lista no sé si será la mejor película pero si está entre las 3 que más me han gustado sin duda alguna.
La película tiene como principal eje un romance pasional entre un músico y una cantante ambientado en la Polonia de la postguerra, alrededor de los años 50-60. No creo conveniente contar a grandes rasgos el desarrollo de la obra, es de esas películas que simplemente recomiendo ver porque merece cada minuto, hay algunas secuencias que se sienten realmente naturales, vivas, por momentos a mí me ha recordado a la obra de Tarkovsky 'Nostalgia'.
Personalmente me gusta todo lo que ocurre en pantalla; la historia, los personajes, el desarrollo de estos mismos durante el metraje, la evolución del romance, la cinematografía, el uso de la paleta en blanco y negro que hace justicia divina a los vestuarios y atrezzos de aquella época, el balance entre los paseos y el sexo, la compensación entre carga narrativa y la química de los gestos y miradas, la iluminación, la fotografía... todo es todo. En mi opinión es cine de 5 estrellas sólidas.
Tomé unos fotogramas para compartirlos en su correspondiente hilo del subforo pero ya que estoy también por aquí con ello, las dejo también aquí.
Llevaba mucho sin escribir, pero me he visto unas cuantas mientras:
11/52 - 1930s
Sólo los ángeles tienen alas - ★★★★
La verdad no sabía lo que iba a ver, sólo sabía que Cary Grant era el protagonista y ya. Ha sido una experiencia curiosa porque al principio me parecía que iba a ser una comedia romántica ligera, luego de repente llega la tragedia como una bofetada, más tarde se convierte en una película de aventuras con avionetas y finalmente se desarrollan personajes con historias dramáticas muy personales y efectivas.
Las actuaciones son muy buenas, la historia engancha y la atmósfera creada es hipnotizante. A destacar las secuencias de los aviones con ese encanto especial de los efectos especiales artesanales. Y a destacar también Jean Arthur al piano:
12/52 - 1940s
Ladrón de bicicletas - ★★★★★
Una película de 1948 que te hace sentir una angustia terrible a partir del robo de una bicicleta. ¿Cómo? Pues mediante la búsqueda de ésta por parte de Antonio y de su hijo Bruno por las calles de una Roma que aún sufre las consecuencias de la guerra. La bicicleta es el elemento de trabajo de Antonio y sin ella están condenados a la miseria.
Durante este deambular deprimente, triste y doloroso vemos también resquicios de esperanza gracias al amor que les une y que les sirve para seguir adelante ante cada problema que encuentran.
El final es impresionante. Un auténtico retrato de la desesperación y la dignidad robada. Mucho peor que que te roben la bicicleta:
13/52 - 1950s
Stromboli - ★★★
No todo iban a ser pelis que me encantasen y en este caso no ha sido un meh, pero casi. Soy bastante de arquear la ceja con los dramas románticos en cuanto alguno de los personajes empieza a actuar con esa irracionalidad exagerada que sin embargo funciona muy bien con otras personas. Y aquí tenemos mucho de eso. Karin, una sofisticada refugiada lituana en la Italia de la posguerra se casa con Antonio, un simple pero apuesto pescador, para lograr salir del campo de refugiados en el que se halla. Lo que no se espera es que va a acabar en Stromboli, una isla volcánica con un pueblo donde no hay nada que hacer y la gente es inculta y supersticiosa.
La película nos muestra como se enfrenta ella a todo eso, siempre tratando de adaptarse, pero fracasando una y otra vez porque simplemente no pertenece a ese lugar ni a ese tipo de gente. Y para colmo el volcán entra en erupción y se queda embarazada. Para qué queremos más. Y ya está, eso es la peli.
Entiendo que son Ingrid Bergman y Roberto Rossellini de los que estamos hablando, pero ni la dirección ni la actuación me han parecido nada del otro jueves. Tiene más gracia todo el salseo detrás de las cámaras: cómo se acabaron liando y teniendo hijos estando los dos casados. El escándalo sí que fue un buen drama.
De todos modos no me ha llegado a aburrir. Si acaso destacaría la escena de la pesca: Karin parece disfrutar en principio de la calma del mar y poco a poco todo se vuelve caótico y desagradable:
#310picHuLin:Tiene más gracia todo el salseo detrás de las cámaras: cómo se acabaron liando y teniendo hijos estando los dos casados. El escándalo sí que fue un buen drama.
Vaya que si. Me enteré de esto hace relativamente poco por una de sus hijas, Isabella Rosellini, quien ha trabajado bastante para el cine de Lynch, tanto que son ex-pareja. El golferío que hay en Hollywood dentro del entorno profesional nunca dejará de sorprenderme, al nivel del que uno puede encontrar en un Erasmus o en noches de verano por Ibiza XD
Categoría: 1940's
Película: His girl friday (1940)
Vistas: 15/52
Es una de esas películas que siempre he querido ver, no hay un motivo concreto; creo que he visto demasiadas veces su portada y siempre parecía que pudiera tener algo que me enganchara. No había visto nada de Howards Hawks, y me parece que es una buena forma de empezar con él.
17/52
Categoría 22: Documentary
Película: David Lynch: The Art Life
Aprovechando el tirón y regreso del cineasta proximamente a los cines he aprovechado para colar en esta categoría un documental dedicado a su persona artística. Para todos los seguidores de su cine diría que os resultará muy interesante y para los fans lo veo como algo indispensable.
La verdad que este está siendo un año en el que estoy retomando mucho el cine de Lynch, comencé a principios de año dándole revisionados paulatinamente a las obras que constituyen su cine para luego culminar con Twin Peaks, y ahora, con el anuncio de su regreso a los cines me animé con el 'The Return' asique no había mejor manera de poner la ginda que con este documental.
Antes de comenzarlo he de decir que esperaba otra cosa distinta pero lo que me han ofrecido el equipo encargado de llevarlo acabo ha superado mis espectativas iniciales. El documental viene a tratar una faceta bastante personal del cineasta donde es al propio Lynch a quien escuchamos narrar como se formo su persona artística, que pautas siguió, experiencias personales, y como no, vivencias de su particular mundo de los sueños.
Todo ello sumergido en un aura muy sugerente que hace recordar a los ambientes de su cine con una banda sonora muy oscura y algún que otro fotograma perturbador que es acompañado por algunas de sus pinturas personales y que con la ayuda de imágenes y vídeos de archivo de él y su familia, proyectan 'flashbacks' de su vida.
No sé que tendrá Lynch pero siento que es una persona a la que podría estar escuchando hablar durante días, quizas sea debido a toda ese especie de misterio que le envuelve o ese mal rollo que puede llegar a transmitir debido a esa mente tan retorcida, la realidad es que luego le ves compartir momentos con su hija pequeña y te das cuenta de que es todo corazón.
Dejo el trailer, no lo había visto antes pero me parece bastante significativo para que os hagáis una idea de lo que os podéis encontrar en el documental.
18/52
Categoría 16: 1980
Película: Bad Timing
Regresando a las categorías de las décadas después de este par de últimos saltos para así volver a retomar la filmografía de Nicolas Roeg a la que adjudiqué la película de la década de los 70 y esta de los 80.
En esta ocasión a diferencia de en su anterior caso con 'Walkabout' me ha fallado el ojo y me ha parecido una tremenda pesadez de película. A priori, perteneciendo a los géneros que pertenece esperaba encontrar algo que me sugiriese algo de interés a nivel narrativo pero es que a pesar de considerarse un thriller de misterio se siente muy plana.
La historia me ha resultado también bastante pobre, resumida en líneas generales; desarrollada en Viena hombre y mujer se conocen y comienzan una relación pasional y liberal en la que la mujer desea vivir distintas aventuras hasta que un tiempo después se encuentra peleando contra la muerte en un hospital, entorno a esta situación delicada en la que se encuentra la joven gira la trama de la película y el misterio de lo que pasó realmente.
La metodología de narrar la obra mediante flashback creo que tampoco le beneficia, a mí al menos me ha sacado más fuera de la película que hacer de inmersivo y la ética que lleva el mensaje final desde luego que no es algo para gusto de todos. En definitiva, otra de las de mi lista que se suma a la caída del pozo.
19/52
Categoría 49: Josh and Benny Safdie's Closet Picks (Josh and Benny Safdie’s Closet Picks)
Película: Il posto
Vuelvo a meter otro salto respecto a las categorías de las décadas. ¿Por qué? Resulta que ayer hice rewatch a ‘Il conformista' la que considero la autentica obra maestra de Bertolucci y joder, no la recordaba tan jodidamente buena. Tanto, que el cuerpo me pedía ver algo más del neoclásico italiano y en mi lista de estas hay alguna que otra. Al lío.
Sensacional. Asi catalogo esta película de Ermanno Olmi, quien se puede decir que fue un gran alumno del maestro Vittorio de Sica. Il posto, es un relato con ligero toque dramático pero al mismo tiempo lleno de ternura que más allá de estereotipar en el romanticismo del "café que te cambia la vida", construye una crítica al mundo laboral muy interesante.
Nos situan en Milan en tiempos de postguerra, ciudad a la que llega un joven que al igual que nos a tocado a muchos viene de dejar atrás su hogar y familia debido a una oferta laboral. A esta misma empresa acude también una joven con la que interactúa y de quien Domenico (el chaval) queda totalmente encandilado.
Para sorpresa de ambos, los dos son seleccionados por la empresa y ante la ilusión de poder comenzar un camino juntos y poder conocerse de forma más íntima se ven en la tesitura de que el sistema por el que se rige la empresa los mantiene separados, más aún de lo que podrían estar en el supuesto caso de no haber sido contratados.
A raíz de este punto de inflexión comienza la que se podría considerar la crítica al mundo laboral, como nos puede llegar a deteriorar los lazos con la gente que queremos (la que dejamos atras) y al mismo tiempo como nos repercute en las relaciones que intentamos construir y mantener en el día a día debido a la rutina y monotonía en la que entramos.
Me ha parecido un ejercicio de sensatez y sosiego necesario que a día de hoy, 60 años después de su estreno, sigue teniendo cabida en esta sociedad. Una película con un mensaje totalmente atemporal en el que nos remarcan la verdadera importancia de nuestras relaciones sociales como personas. Totalmente recomendada, que además por lo que veo no goza de mucha popularidad.
Categoría: Made in Italy.
Película: Theorem (1968)
Vistas: 16/52
No sabía ni que la tenía en mi lista, así que al ver que estaba en Filmin, me animé con ella.
20/52
Categoría 46: Directed by Agnes Varda
Película: Cléo from 5 to 7
Pues aprovechando que me he visto una película de Agnes Varda para el hilo de la NV y sabiendo que había una categoría dedicada aquí para ella pues eso, una más que me fumo. Dejo por aquí un copypaste.
Estaba en duda entre traer 'La Pointe-Courte' o 'Cléo de cinq à sept', finalmente decidido por esta segunda y puedo decir que a terminado siendo todo un acierto. 'Cléo de cinq à sept' vendría a ser la cuarta película de la obra cinematográfica de la cineasta francesa y si bien es cierto que parte de una premisa bastante sencilla deja un muy buen sabor de boca a todos los niveles.
Como decía, la introdución a la premisa de la película es básica; nos presentan a Cleo, una chica que mientras aguarda a unos resultados médicos se va de visita a una especie de "chica del tarot" quien le determina que está muy enferma y padece cáncer. A partir de este momento nos muestran como esta joven intenta evadirse ante la noticia que acaba de conocer.
Bajo opinión personal, creo que es una de las películas más óptimas para adentrarse en este tipo de cine. La cinta reune todos esos pequeños detalles y elementos del movimiento que lo hacen característico pero sin llegar a resultar ser pretenciosa (como puede ocurrir para muchos con el cine de Truffaut o Godard).
A nivel narrativo y de trama realmente se podría decir que no ocurre nada, simplemente el argumento fluye con tonos poéticos que alternan con momentos musicales, paseos por los parques y travesías en taxi y la muchedumbre de la capital francesa.
En resumidas cuentas, un relato femenimo realizado con mucho tacto, delicado y al mismo tiempo con un estilazo palpable a la que se suma una Corinne Marchand de prota que luce estupenda y que deja algún que otro momentazo. Todo esto comprimido en un tiempo de alrededor de 80min que hacen que terminen pareciendo a uno más bien pocos. Indispensable.
#317 Casualmente fue también mi primera de Pasolini, guardo aún un buen recuerdo de ella en general y de la escena del requiem, la recuerdo bastante intensa.
Categoría: A film featured in the "Queersighted: Queer Fear" series (Queersighted: Queer Fear).
Película: Diabolique (1955)
Vistas: 17/52
Me encantó la frase final, dejando patente cómo ha cambiado todo desde entonces.
¡No seáis diabólicos! No destruyáis el interés que vuestros amigos podrían obtener de esta película. No les contéis lo que habéis visto. Os damos las gracias de su parte
¡Hostia el reto!
5. Released on Laserdisc (Criterion Collection Laserdisc Titles)
Una de las eternas pendientes de la watchlist y la culpable de que dejase el reto de lado xd. Solo me ha costado unos meses pero POR FIN LA HE VISTO.
Muy ingeniosa en general, la verdad. La película se desarrolla a través de diálogos vertiginosos a la par que ingeniosos, cosa que me gusta. Pero la realidad es que tras el comienzo me ha empezado a aburrir tremendamente. Eso sí, ha llegado un milagro (literal) que me ha vuelto a meter en la peli y de qué manera. Tremendas escenas hay en esta ultima parte de la peli. Puesta en escena de thriller o incluso terror por momentos que me ha dejado flipando.
Al final le he tenido que poner un 7 con corazoncito.
21/52
Categoría 35: Made in the Soviet Union
Película: The Color of Pomegranates
Descubrí esta película hará no mucho, sorprendido por el recibimiento que tiene y viendo que podía incluirla en la lista pues para adelante.
'The Color of Pomegranates' es una autentica delícia visual, una de esas películas que da igual en el momento que des al pause el plano que se queda en pantalla podría ser perfectamente un cuadro, de hecho, es una obra totalmente artística que por ciertos momentos te llega incluso a hacer arquear las cejas debido al asombro.
Respecto al tema artístico y en general un poco lo que comento en el parrafo de encima creo que todo aquel que ha visto esta película esta de acuerdo. Ahora bien, a mí me gustan las historias, los relatos, que halla un mínimo guión... no sé, digo yo eh.
No os miento al decir que las líneas de diálogo que tiene esta película las podéis contar con los dedos, incluso pone en práctica cierta metodología del cine mudo como por ejemplo escribir en pantalla lo que se va a mostrar en la siguiente secuencia para situar un poco en escena al espectador.
Realmente este no es el gran problema que me cruzado a la hora de ver la película, será por obras de cine mudo que tengo bien valoradas...
¿Qué ocurre entonces? Pues que se termina conviertiendo en una interpretación digamos muy "espiritual" que se junta a una ambientación de la Armenia medieval de la que no tengo la menor idea y eso, no ayuda en absoluto.
El metraje no es para nada excesivo, ronda los 60 minutos pero repito, para alguien que no esta mentalizado de esto es una cuesta empinada en la que la biografía que viene a representar sobre el poeta Sayat Nova pasa totalmente a un segundo plano. La música y cánticos tampoco ayudan, mi salón ayer por la noche lo mismo era una batucada brasileña que una parroquia gregoriana.
Mando desde aquí disculpas a Tarkovsky ya que podía haber aprovechado esta categoría para ver alguna de las 3 películas que me restan de su filmografía.
En fin, avisados estáis para un posible futuro XD. Pondré alguna imagen en el hilo de los fotogramas en un rato ya que es lo mejor que me llevo de esta película.
Categoría: Black and white.
Película: Toni (1935)
Vistas: 18/52
Una más que gracias al reto descubro a un director nuevo para mí: Jean Renoir. Me ha gustado un montón a todos los niveles. El director francés detalla con gran mimo el amor y miserias de las clases bajas migrantes en el sur de Francia.
Menuda tarde de domingo en forma de montaña rusa de emociones que me ha dado Ozu. Dejo un par de ellas.
22/52
Categoría 37: A film from the Eclipse series
Película: Late Autumn
Considerada como una película paralela a su otra obra 'Late Spring', en esta ocasión Ozu desarrolla una historia en los últimos días de otoño y al igual que acostumbra a lo largo de su obra cinematográfica no resulta extraño el ver como adapta a sus personajes y la trama al entorno.
A la película la encuentro similitudes con otra de sus películas, concretamente con 'An Autumn Afternoon'.
No simplemente en la estética del ambiente natural por compartir estación si no en cuanto al vestuarios a juego con la atmósfera, definitivamente la apuesta del director por ese corte tan elegante hace asentar esta historia de una manera mucho más formal.
Viene a plantear una situación entorno al matrimonio donde una madre que se ha quedado viuda consigue ayuda por parte de unos amigos para intentar casar a la hija quien resulta reacia a las propuestas que le van llegando aparentemente debido a un lazo fuerte que mantiene por su madre a quien no quiere dejar sola después de la perdida del marido.
Quizás a nivel narrativo pueda considerar que tiene ciertos altibajos, no me parece de sus mejores obras entre las que tengo vistas pero desde luego que todo queda balanceado con la estética tan estática del cineasta japonés y sus planos mediante cámara al suelo que tan característicos son de su cine.
Visualmente me resulta una maravilla y eso hace que gane puntos bajo mi criterio personal.
23/52
Categoría 24: Any film on The Criterion Channel
Película: Tokyo Twilight
Simple y sencillamente magistral, sin duda alguna uno de los mejores dramas familiares que halla visto. 'Tokyo Twilight' narra principalmente la historia de un par de hermanas junto a un padre a quien su esposa a dejado de lado.
Esta sumergida en un ambiente invernal que por momentos hace que la dramatización de la escena coja más fuerza, las historias de los personajes son paralelas las unas de las otras pero se termina sientiendo todo como un mismo argumento que llega directamente a la patata.
En este melodrama siento que todo fluye a la perfección desde la construcción de las historias hasta el desarrollo de los personajes para terminar siendo uno más en la familia.
Cada relato con su propia profundidad; rechazo, soledad, angustia... trata un sin fín de emociones juntándolas en un ambiente de opresión dentro de la ciudad donde las vidas de los personajes parecen estar encadenadas a este destino de cotidianidad que pinta tan oscuro como la propia película se ve.
Hay un momento donde una de las hermanas tiene una conversación junto al hombre con el que se esta viendo debido a que se ha quedado embarazada que me ha dejado planchado, de veras, la carga emocional de esta película es algo genuino.
En estos últimos días atrás he andado dedicando el cine a la obra del cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Anteriormente a esta semana tenía visualizadas 4 películas de su filmografía y bueno, la verdad que no me pilla tan de improvisto estas visualizaciones. Ahora bien, si saco algo en claro es que realmente este hombre era diferente al resto.
Concretamente me visto las 3 siguientes; 'La Notte', 'Le Amiche' y 'L’Eclisse' y dado que por lo que veo sólo puedo encajar un par de ellas en la lista he decidio optar por estas dos últimas ya que 'La Notte' la considero una de esas películas ¿exclusivas? que simplemente recomiendo ver y que allá cada uno que saque sus conclusiones.
Para mí hasta el momento de las 7 películas que tengo vistas de su filmografía la considero su obra maestra, no diré más. Asique nada, al lío, dejo por aquí una pequeña opinión en cuanto a las otras dos:
24/52
Categoría 34: Made in Italy
Película: Le Amiche
'Le Amiche' es una de las primeras películas de la filmografía del director Italiano donde asentaría las bases de lo que vendrían a ser sus dos grandes pasiones dentro del cine (la moda y las mujeres). A lo largo de su obra es normal encontrar infinidad de referencias hacia esto, de hecho, a mí lo que me enamoro del director es la fusión que hace entre ambas circunstancias.
Claro, en mi persona es algo fácil ya que me apasonian las mujeres y también la moda y si encima me juntas ambas cosas bajo el mismo título me vuelvo loco ('Blow-Up'. 1966).
En cambio, en este título a pesar de realizar lo mismo siento que no me encandiló lo suficiente, de hecho, la considero su película más flojita hasta el momento entre las que tengo vistas, a su favor está que fue de sus primeros largometrajes.
El argumento gira entorno a 5 pijazas cuarentonas donde una de ellas tiene como idea el abrir un negocio dedicado a la moda pero para ello va a tener que atravesar una serie de situaciones, digamos, contraproducentes.
Quizás este argumento sostenido mediante un grupo de mujeres con el que no termine de empatizar lo suficiente me haya mermado la experiencia. Ojo, no todo es un gris oscuro en cuanto a mi opinión, tiene algún que otro pasaje curioso que me gustó;
Por ejemplo una secuencia en la playa donde las mujeres andan desatadas enrrollándose con diferentes tipos al mismo tiempo que incluye una ironía bastante curiosa a la situación ya que cada vez que empiezan a darse el filetazo alguna de ellas aparece otra en escena para cortar el rollo. La última parte también me supuso de un buen agrado recreándose en una especie de desfile.
En definitiva, si no conoces al director o tienes poco/ningún interes en conocer lo que fueron sus bases del cine es una película totalmente prescindible (desde mi punto de vista) en cambio, si tienes curiosidad de como fueron los inicios del cineasta (como ha sido mi caso) o eres gran fan de él, apúntatela.
25/52
Categoría 26: Directed by Michelangelo Antonioni
Película: L’Eclisse
L’Eclisse es la película con la que el director italiano cierra su pequeña colección de la llamada "incomunicación" donde los titulos que la forman son los siguientes: 'L'avventura', 'La notte' y 'L'eclisse' en dicho orden.
Es una colección donde el director viene a representar una forma de contemplar los romances en la gran pantalla mediante la gesticulación, las miradas, el tacto... simplemente una cosa; Si te gustan los romances en blanco y negro coge siéntate en el sofá y ponte a ver esto. Es una autentica maravilla.
Aquí me ocurrió algo muy diferente a lo comentado en la anterior película, desde el minuto 1 te engancha para no soltarte además de ver a un Antonioni mucho más desatado, el que me gusta a mí.
La película consta de muchos ingredientes que son de mi agrado pero sin duda la guinda sería que se basa en un romance pasional. Estamos en Roma, ciudad en clave para los románticos del cine donde nos presentan a una estupenda mujer (Monica Vitti, diría que la favorita para hacer cine del director) que acaba de terminar una relación pero para su suerte va a conocer a un joven chuleta (Alain Delon) que trabaja como broker en la bolsa con el que vivir cierto affair.
El romance el director lo cocina a fuego lento, de hecho el primer encuentro realmente fogoso en esta relación lo hace a escasos 30 minutos del final, pero vaya que si merecen la pena pues pasa a ser una última media hora escandalosa.
Cuidado, que no sólo hay buenas cosas en la parte final, el resto del previo metraje esta a la altura sin duda donde por momentos podemos ver a Antonioni recreándose en su particular estilo.
Hay una secuencia donde la inicia en una calle de piedra, algo muy particular de la "vecchia italia" para automaticamente dar paso a una siguiente escena en una piso estilo "loft" adornado todo con temática africana, nos ofrece un paseo por las sabanas enseñándonos leones, paisajes, naturaleza... para terminar de montarse una fiesta del pijama super sexy con 3 chicas descorchando champagne. Este tío es una estrella del rock dentro del cine. ¡Trust me! Que diría él.
Si le tengo que poner alguna pega a esta película es que una vez uno es testigo de esos últimos 30 minutos tan intensos y tan buenos te preguntas porque demonios no decidió llenar las 2horas del metraje con ellos dos en pantalla. Luego piensas en el repertorio que muestra previamente a todo esto y se te pasa.
Categoría: Directed by Ingmar Bergman.
Película: The Seventh Seal (1957)
Vistas: 19/52
@Be_free , me estás dejando muy atrás!!
Me he dado cuenta de que cuando acudía a mi lista, siempre optaba por películas más ligeras dentro de todas las cosas chulas y densas que hay. Como en principio voy a tener más tiempo a partir de ahora, he intentado que esto empiece a cambiar. Quizá un domingo de resaca no sea el mejor día para ponerme con algo de Bergman, pero me ha parecido bastante chula en líneas generales.
#325 No te preocupes compi que aunque haya dado un pequeño sprint sigo echando la mirada atrás para ver que sigues ahí. Aprovecha a darle amor ahora que puedes que yo estoy pasando unos días por la costa y el poquito cine que estoy viendo esta desligado a esto, más bien acompañando al ambiente de verano. Bueno, imagino que ya te darás cuenta por Letterboxd XD
Estamos ya a mitad de camino, lo tenemos controlado! Por cierto, domingo de resaca + Bergman... mis respetos colega.
Nos seguimos leyendo <3
26/52
Categoría 30: Black and white
Película: Jules and Jim
Aprovechando que vi Jules and Jim hará unos días y viendo que le puedo hacer huequito en la lista dejo por aquí un copy/paste del hilo de la NV algo más escueto.
'Jules et Jim', es una de las películas más laureadas del cine de Truffaut y también es aceptada como gran parte en la base de la considerada como "nueva ola" en cuanto a ideas literarias.
Fue la segunda película con la que se desmarcó de la que terminaría por considerarse su colección de 'alter-ego' previamente habiendo filmado para esta propia entrega 'Les 400 Coups' y 'L'amour à vingt ans'.
Cuando personalmente acudo al cine de Truffaut normalmente me gusta desligarme de esa colección entorno a su persona, (a excepción de Baisers volés, que a día de hoy sigue siendo mi favorita de su obra) creo que es un cine mucho más llevadero, ajeno de prepotencia. Algunos de estos ejemplos pueden ser 'Tirez sur le pianiste', 'L'Enfant sauvage'... aunque también tienen lo suyo para que engañarse.
Sin embargo, en esta ocasión a pesar de tratarse de una de esas películas "alejadas" ha pasado, mejor dicho pasó (ya que la vi hará un par de días) totalmente sin pena ni gloria. Es una obra considerada de culto con un sin fín de galardones (también contemporáneos) pero que no le he visto nada en especial más allá de una narrativa a la altura de lo que uno se espera cuando ve una pelicula de Truffaut. Es decir, nada que no me esperase... si la tengo que meter en un rank del director iría directa a la tabla media/baja.
La trama no tiene mucha miga aunque verdaderamente esta inspirada en una historia real. Se desarrolla durante el periodo de la primera guerra mundial donde conocemos a Jules y Jim quienes son un par de inseparables colegas, tanto que van a terminar por compartir sentimentalmente pareja ya que ambos se quedan enamorados de la misma chica a quien da vida la actriz Jeanne Moreau. A raíz de esto el director construye una especie de oda a la amistad que bueno, poco consigió despertar en mí debido entre otras cosas a un ritmo muy desfavorecido y unos personajes con los que no conecte nada, sobre todo con la protagonista.
En gran parte, como digo, puede que el personaje al que da vida Jeanne Moreau tenga la culpa (Catherine) quien es la protagonista del triángulo amoroso y esto con alguien que aparece en pantalla prácticamente la totalidad del metraje hace que la cuesta se ponga hacia arriba.
Desde luego no es una película que recomendaría a todo el mundo a no ser que te interese realmente saber un poquito sobre los inicios de Truffaut en el cine y sobre el como pudo evolucionar si acaso un poquito más la NV antes de llegar a su climax.
A ver si ahora en verano, sin el ciclo coreano, puedo ponerme al día. Añado un par, las dos del gran Ozu:
Categoría: 13. 1950s
Película: Good Morning
Llevo mucho tiempo queriendo ver más películas de Yasujiro Ozu (solo había visto la magnífica Tokyo Story) y voy a aprovechar el reto para ello. Tokyo Story la vi hace muchísimo y el único recuerdo que tengo es que me gustó mucho pero no sabría si ponerla por delante o no porque Good Morning me ha enamorado, en mayúsculas. Había leído muchas cosas buenas de ella pero no esperaba que me llegase tanto.
Good Morning es una película sencilla, muy sencilla, que retrata el día a día de un pequeño pueblo de Japón y de sus singulares vecinos. Desde el primer minuto, Ozu te mete de lleno en este pueblo mostrándote, con una hermosa fotografía y una muy acertada música, la tranquilidad que se respira, solo alterada por las pequeñas 'gamberradas' de los más jóvenes. La película es, puramente, tranquilidad.
De vez en cuando, un simple "buenos días" parece ser la chispa de un conflicto, pero dicha chispa no llega a más y el fuego se termina extinguiendo a la misma velocidad con el que se inició. De esta forma, Ozu te muestra que en este pueblo no hay personajes 'malos' más allá de la típica vecina que siempre habla mal de los demás, y tampoco hay preocupaciones más que la de que tu padre no quiera comprarte una tele. Porque esa es la vida, ese es el día a día de cualquier pequeño pueblo.
Lo que consigue Ozu con esta película es que quieras transportarte a aquel pueblo y estar todo el día pellizcando las mejillas del pequeño Hayashi mientras este te dice: "I love you"
Categoría: 30. Black and white
Película: Late Spring
Late Spring la he visto "erróneamente" pero me sirve para la categoría de blanco y negro.
Late Spring es otro pequeño drama sobre la vida domestica de una familia. Por ahora, es la película que menos me ha gustado de Ozu porque, en algunos momentos, me ha costado entender las emociones de los protagonistas, principalmente del padre y la hija. Aún así, es bastante conmovedora y tiene ese estilo "sencillo" de Ozu. Además, igual que me pasó con Good Morning, Ozu te mete de lleno en la película desde el minuto 1. En Good Morning fue mostrándote el ambiente del pequeño pueblo, en Late Spring lo hace a través de una ceremonia del té, algo que parece sencillo pero que conlleva una gran profundidad emotiva.
Algo que me ha sorprendido es que es una película muy atemporal, toca valores que son parte del ciclo de la vida como ese miedo a volar fuera del nido o a dejar a un padre indefenso. Además, me he dado cuenta de que esos planos a mitad de altura donde el protagonista parece que se dirige directamente a cámara son una seña del estilo de Ozu. No es la primera vez que los veo y es algo que la primera vez me sorprendió y la segunda, me encantó.
No va a ser la última película que meta en el reto de Criterion. Ozu tiene un estilo que me encanta y ahora no puedo más que preguntarme cómo es posible que no le hubiese dedicado más tiempo antes.
PD: Y sí, me he enamorado de Setsuko Hara y su sonrisa.
Categoría: 14. 1960s (13/52)
Película: La Jetée
En esta ocasión recurro a Chris Marker porque hace tiempo me vi San Soleis y me gustó pero no volví a ver nada del director.
En La Jetée, Chris Marker nos cuenta una historia de apenas 28 minutos sobre un viajero en el tiempo. Utiliza las instantáneas y la voz en off como recurso para narrarlo, a modo de fotonovela, algo con lo que al principio me encontraba reacio pero que, poco a poco, me ha ido atrapando y que me ha terminado pareciendo un buen recurso para hacer que nos enfoquemos en la historia.
Curiosamente la historia me ha recordado a la nueva película de Amazon Prime, The Tomorrow War. En La Jetée, Marker nos traslada a una apocalíptica Tercera Guerra Mundial y a la necesidad de viajar en el tiempo para buscar soluciones. Pero, lejos de parecer una película de ciencia-ficción, la trama se asienta en una fugaz relación de amor entre sus dos protagonistas. La historia de amor está muy bien contada y este recurso de usar solo fotografías le añade más romanticismo aún.
La película termina siendo una metáfora, y paradoja, sobre la existencia y la muerte. 28 minutos de puro cine, sin necesidad de recurrir a los mejores efectos especiales de la época. Muy recomendable.
Categoría: 15. 1970s (14/52)
Película: In the Realm of the Senses
Para esta categoría me he ido al cine erótico japonés. Algo que nunca me ha atraído pero al que he decidido darle una oportunidad en este reto.
Si ves In the Realm of the Senses después de haber visto The Handmaiden de Park Chan-wook, vas a pasarte toda la película pensando en ella. Obviamente, aquí voy a comparar ambas, aunque estén bastante alejadas en el tiempo.
Para empezar, en In the Realm of the Senses el erotismo es bastante, realmente bastante, más explicito que en The Handmaiden, algo que puede impactar en un primer momento, pero la coreana es mil veces más artística (y en mi opinión, más erótica). Con las escenas sexuales es más de lo mismo, no me pareció que ni la música ni la fotografía ayudasen en estas escenas, algo que en The Handmaiden Park Chan-wook cuida mucho para darle un toque más artístico.
En definitiva, In the Realm of the Senses me ha parecido una película interesante pero algo simple. A veces tenía la sensación de que el director recurría a las escenas sexuales cuando no tenía nada que contar. Eso sí, el final, sin entrar en spoilers, me ha parecido lo más random de todo, aunque algo predecible.
Como curiosidad, antes de ver la película leí que Nagisa Oshima tuvo que coproducirla con Francia para poder enviar allí los negativos y montarla. De otra manera, hubiese sido imposible montar algo tan explícito en Japón. De hecho, a día de hoy, en el país nipón se sigue distribuyendo censurada, como si de porno se tratase. Al principio puedes pensar que es algo exagerado pero cuando la ves te das cuenta de que no.
PD: El que esté basada en hechos reales solo me reafirma en lo enfermos que están algunos japoneses.
